Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное

Идея выставочного проекта «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное» была предложена сотрудником отдела выставок Анной Чуркиной и автором экспозиционных решений большинства экспозиций Третьяковской галереи Ниной Дивовой. Структура и концепция выставки тесно связаны с нашим молодым виртуальным проектом «Моя Третьяковка», являются его продолжением в офлайне.

Дмитрий Григорьевич ЛЕВИЦКИЙ. Портрет неизвестного пожилого человека с мальчиком. 1800-е
Холст, масло. 67,5 × 53,2. © ГТГ

«Моя Третьяковка» - просветительская цифровая платформа, на которой уже опубликовано более 4500 произведений из собрания музея. Виртуальная коллекция постоянно пополняется новыми произведениями, появилась версия сайта «Моя Третьяковка» на английском языке. Все произведения сопровождаются короткими емкими аннотациями, написанными научными сотрудниками Галереи. Посетители сайта получают возможность расширять и углублять свои знания русского искусства, создавать собственные цифровые коллекции, открывать в онлайн-пространстве новые работы. «Моя Третьяковка» вовлекает в жизнь Галереи каждого, кто хочет сделать небольшое пожертвование в эндаумент музея для пополнения его коллекции. Таким образом, следующие произведения, которые появятся в собрании (и одновременно на сайте), будут приобретены в том числе благодаря участникам проекта. Экспозиция выставки оборудована медиаэкраном, на котором в режиме реального времени отражается каждое новое произведение, открытое пользователями сайта для всего мира.

Виртуальный проект «Моя Третьяковка» запущен в 2021 году при поддержке платежной системы «Мир». Вся подготовительная работа пришлась преимущественно на период пандемии, когда музей закрылся для публики, а научные сотрудники, экскурсоводы, методисты оказались изолированы. На онлайн-совещаниях сотрудники Галереи работали над формой текстов, договаривались о позиционировании провенанса, о перекрестных ссылках, справочном аппарате, поисковых принципах...

В проекте «Моя Третьяковка» приняли участие все научные отделы Третьяковской галереи - от отдела древнерусской живописи до отдела новейших течений, отдел рукописей, фото- и киноматериалов, научная библиотека, филиалы - музеи В.М. и А.М. Васнецовых, А.С. Голубкиной, П.Д. Корина.

Чем интересен этот проект? Как и у других музеев, только часть собрания Галереи предъявлена публике в постоянных экспозициях в историческом здании в Лаврушинском переулке, в Новой Третьяковке на Крымском Валу, филиалах музея, на различных временных выставках. Остальное хранится в запасниках, в фондах. Музейные фонды вызывают большой интерес у посетителей, часто рождают мифы и споры в быту и общественном пространстве. Например, не все знают, что кроме живописи, скульптуры, графики Галерея обладает ценной коллекцией фотографий. Медиаплатформа «Моя Третьяковка» позволяет «открыть двери» в эту часть музейных фондов.

Больше половины собрания Третьяковской галереи - произведения в различных графических техниках. Такие хрупкие артефакты могут находиться в вертикальном положении, освещенные щадящим музейным светом не более трех месяцев, в особых случаях - до пяти месяцев. Далее они должны «отдыхать» в горизонтальном положении в закрытых папках. Стараясь знакомить публику с этой частью собрания, Галерея регулярно делает графические выставки, графика включается в монографические и тематические экспозиции, но большая часть работ - эскизы, наброски, следы размышлений авторов с карандашом или пером в руке, которые представляют особую ценность для исследователей, - редко покидает места хранения. Однако на сайте «Моя Третьяковка» они могут быть опубликованы.

Галерея обладает значительными коллекциями художественных рам, декоративно-прикладного искусства, редкой рукописной книги... Конечно, оцифровать, аннотировать и предъявить обществу все собрание - задача, рассчитанная на многие годы. Но начало положено, и это внушает оптимизм.

Виртуальная Третьяковская галерея многим хороша, но она, конечно, не может заменить контакт с подлинными произведениями искусства. Цифровой и выставочный проекты дополняют, обогащают и помогают друг другу.

На выставке «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное», как и на сайте, существует баланс «знакомого/незнакомого». Ряд произведений хорошо известен зрителю по постоянной экспозиции Галереи и многочисленным воспроизведениям, другие часто включаются в региональные выставки, но мало известны московской публике, а некоторые предстали перед зрителями впервые. Проект помогает с новой точки зрения посмотреть на собрание Галереи и отдельных художников, увидеть известные и неизвестные произведения в неожиданных сочетаниях, задуматься над условностью деления на «шедевры» и «фондовые» полотна и скульптуры. Когда выставка была смонтирована, то показалось, что из недр Третьяковской галереи как будто возник еще один новый музей.

Открывают экспозицию две стены с работами, которые отчасти имитируют первые страницы сайта «Моя Третьяковка», где в произвольном порядке представлены произведения искусства разных эпох, видов и жанров. Посетитель сайта, знакомящийся с ним, может кликать на то или иное изображение, читать о нем, двигаться дальше, расширяя и углубляя свои знания русского искусства на примере коллекции Третьяковской галереи. Но совместить воспоминание об экране компьютера с экспозицией на стене в зале - очень трудная задача, которая была решена благодаря мастерству и опыту Нины Глебовны Дивовой.

Выставочный проект также связан с виртуальным проектом через QR-коды, которые помещены на эти кетки. Этикетки - отдельная проблема, которую пытаются решать лучшие музейные умы и дизайнеры всего мира. Считается, что, когда текстов много, они отвлекают посетителя от самих произведений. Дизайнеры очень не любят пространные этикетки, так как они занимают много места и рискуют превратить выставку в выставку этикетажа. Если шрифт этикеток мелкий, то недовольна публика, потому что читать такие этикетки приходится с лупой или в очках. Если же этикетки очень лаконичные (дизайнеры довольны), то публике не хватает информации. На каждой выставке решается проблема равновесия между произведениями, пояснительными текстами, красотой дизайнерского оформления и интересами зрителей. На данной выставке помогают QR-коды, помещенные на этикетки: наведя смартфон на QR-код, можно прочесть короткое эссе о данном произведении, узнать о его провенансе. Посетитель выставки необязательно ознакомится со всеми текстами. Но, зафиксировав в своем сознании или сфотографировав на телефон те или иные заинтересовавшие его работы, он может дома, обратившись к сайту «Моя Третьяковка», получить нужную информацию.

Виртуальный проект снабжен поисковой системой: по фамилии художника, виду искусства и жанру, по хронологическому периоду. Выставка, следуя за параметрами поисковой системы, построена по жанрам, а внутри жанров - по хронологии. Для первой очереди выставочного проекта выбраны три жанра: пейзаж, натюрморт, портрет.

Выставочный проект предлагает для внимательного зрителя квест - с первых шагов по экспозиции отыскать незнакомое в знакомом. Так, в пейзажном разделе можно увидеть пейзаж «Ночь на Каме» (1884) работы передвижника Николая Александровича Ярошенко. Он известен прежде всего как портретист и автор жанровых композиций с философским подтекстом «всюду жизнь». Пейзаж тоже не был чужд художнику. В собрании Третьяковской галереи имеется серия его кавказских этюдов, приобретенная П.М. Третьяковым. Пейзаж «Ночь на Каме» вызывал у исследователей несколько скептическое отношение и в постоянную экспозицию и на временные выставки не попадал. Художник пытался справиться со сложными задачами: передать бегущие по ночному небу облака, которые подсвечивает полная луна, сизый туман над темной рекой, скрадывающий детали пейзажа. Что-то ему удалось, а что-то удалось, может быть, в меньшей степени, чем профессиональным пейзажистам. Но тем не менее кураторы сочли возможным познакомить зрителя с этой картиной Ярошенко.

Николай Александрович ЯРОШЕНКО. Ночь на Каме. 1884
Холст, масло. 74 × 101,6
© ГТГ

Третьяковская галерея планомерно собирает монографические коллекции произведений знаковых фигур русского искусства. Внутри индивидуального творческого пути художника могут быть и неудачи, и тупиковые линии развития. Эти свидетельства трудной авторской эволюции музей также хранит в своих фондах, а в постоянной экспозиции показывает несколько спрямленную, «парадную» ее версию. В продолжение данной темы представлен пейзаж Владимира Иосифовича Шервуда. Этот мастер известен как архитектор, автор проекта здания Исторического музея в Москве в русском стиле. Но Шервуд начинал свою творческую деятельность как живописец-портретист и пейзажист, что и отражает собрание Галереи. Представленная на выставке картина «Водопад» (конец 1850-х) создана, безусловно, под влиянием швейцарского пейзажиста Александра Калама, который пленил русскую публику грандиозными видами суровой швейцарской природы.

Владимир Иосифович ШЕРВУД. Водопад. Конец 1850-х
Холст, масло. 89 × 125,5. © ГТГ

Иван Константинович Айвазовский известен прежде всего как маринист, но его интересовали и различные исторические коллизии. Правда, в отличие от художников-историков, во всех его полотнах превалирующую роль всегда играет пейзаж, как и в ранней картине, представленной на выставке, «Стычка ширванцев с мюридами на Гунибе» (1869), повествующей об одном из сражений Кавказской войны (1817-1864).

Иван Константинович АЙВАЗОВСКИЙ. Стычка ширванцев с мюридами на Гунибе. 1869
Холст, масло. 133,5 × 110. © ГТГ

Картина Ивана Ивановича Шишкина «Стадо под деревьями» (1864) была подарена Третьяковской галерее в 1995 году Правительством РФ к открытию музея после длительной реконструкции. Выверенный зал постоянной экспозиции Галереи традиционно представляет Шишкина как «патриарха русского леса». Но молодой Шишкин специально учился соединять пейзаж с изображениями животных. В Цюрихе он брал уроки у известного швейцарского пейзажиста и анималиста Р. Коллера. И картина «Стадо под деревьями» - результат усвоенных в Швейцарии уроков. Стоя у этой картины, мы можем поразмышлять, так ли уж нужна была Шишкину помощь К.А. Савицкого для изображения медведей в картине «Утро в сосновом лесу». Я склонна поддерживать версию, согласно которой Савицкий, скорее всего, был автором идеи картины. Да и пока не обнаружено следов второй руки в живописном слое этого прославленного произведения. Как мы видим, Шишкин прекрасно умел изображать животных и в принципе не нуждался в том, чтобы кто-то за него изображал медведей.

Николай Николаевич Ге известен как портретист и художник-историк, художник-философ. Но он был неравнодушен и к жанру пейзажа. В Италии в пенсионерский период он увлекался пейзажной живописью. В собрании Третьяковской галереи есть целая серия эмоциональных итальянских пейзажей Ге. Один из них - «Дубы и платаны. Фраскати» (1850е) - представлен на этой выставке. Созданные в Италии пейзажи Ге и поныне выглядят очень современно, патина времени на них как будто не видна, и увлекают живой пульсацией чувств, восхищением перед красотой мира. Когда молодые художники спросили Ге о значении пейзажного жанра в искусстве, он ответил: «Пейзаж - святая, великая вещь... Это не менее глубокая отрасль искусства. Пейзаж - не то, что вы думаете, в нем Бог, самый грандиозный и беспредельный»[1].

Наши традиционные (и справедливые) представления об Исааке Ильиче Левитане связаны с лирическими пейзажами средней полосы России. Но Левитан много путешествовал, бывал в Финляндии, Германии, Италии, Франции. Каждый художник, который ставит задачу изобразить море, невольно оказывается в соперничестве с Айвазовским и стремится написать море по-своему. С этой задачей Левитан справляется, отказавшись от преувеличенных красочных эффектов. Он пишет «Берег Средиземного моря» (1890) в Бордигере (Италия), изображая море в дождливый туманный день.

Из XIX века перемещаемся в XX. И в этой части экспозиции тоже есть неожиданные работы. Например, пейзаж Ольги Владимировны Розановой, одной из «амазонок русского авангарда», «Зима. Снегири на дереве» (1907-1908), созданный в импрессионистическом ключе. Неслучайно он соседствует с работой Николая Васильевича Мещерина, дружески и творчески связанного с И.Э. Грабарем - главной фигурой «русского импрессионизма». Пейзаж Н.В. Мещерина «Зимний вечер. Деревня» (1905), вероятно, написан в окрестностях его имения Дугино под Москвой, куда приезжали И.И. Левитан, И.Э. Грабарь и другие художники.

Натюрморт - это жанр, который пульсирует, мерцает в русском искусстве, то погружаясь в забвение, то вновь привлекая внимание художников, критики, публики. В частности, во второй половине XIX века к натюрморту очень редко обращались ведущие живописцы эпохи. Тем не менее Иван Николаевич Крамской, известный прежде всего как портретист и автор таких картин, как «Христос в пустыне» и «Неутешное горе», работал в этом жанре. Очень жаль, что в музейных собраниях так мало сохранилось примеров натюрмортов Крамского, тонкого наблюдателя жизни «мертвой природы». «Букет цветов. Флоксы» (1884) входит в постоянную экспозицию, но обычно находится высоко, во втором ряду, и у зрителей нет возможности его рассмотреть и убедиться в том, что Крамской был не только идеологом передвижничества, но и талантливым живописцем, не чуждым формальных экспериментов. Трепетные, нежные флоксы бережно и поэтично изображены им в этом редком натюрморте.

Часть экспозиции посвящена портрету. Она начинается с «Портрета царя Михаила Федоровича» (1728) работы Иоганна Генриха Ведекинда и заканчивается «Портретом Иры» (1987) Айдан Салаховой. Здесь представлены портреты, исполненные как русскими художниками, так и иностранными, которые работали в России преимущественно в XVI11 столетии. Так, английский художник Ричард Бромптон, автор «Портрета князя А.Б. Куракина» (1781), приехал в Россию по приглашению Екатерины II и познакомил русских портретистов с сентименталистским типом портрета-прогулки.

На выставке можно увидеть поздний «Портрет неизвестного пожилого человека с мальчиком» (1800-е) работы Дмитрия Григорьевича Левицкого. Извлеченный из фондов, он красноречиво свидетельствует о перемене жизнечувствования мастера, когда жизнерадостный настрой в его портретах сменяется интересом к сложным, зыбким состояниям персонажей, словно окутанных дымкой меланхолии.

Портрет всегда был сильной стороной русской живописной школы, и следить за его эволюцией - поучительное и увлекательное занятие. «Портрет Александра Дмитриевича Пономарева» (1855), поручика лейб-гвардии Гусарского полка, создан Сергеем Константиновичем Зарянко на переломе развития портретной живописи в России. С.К. Зарянко - весьма важная фигура в Московском училище живописи и ваяния, у него учились многие художники второй половины XIX века (например, В.Г Перов). Зарянко, «русский Энгр», стремящийся к совершенству формы и всех деталей картины, был популярен в 1840-1850-е годы. Но проходит совсем немного времени, наступают 1860-е, а потом и 1870-е, и то, за что его так хвалили и почитали, теряет свою привлекательность и актуальность, плюс сменяется на минус. Критики начинают писать, что портреты усов, бобровых воротников, эполетов, даже написанных со всем возможным совершенством, обществу совершенно не нужны и вполне могут быть заменены фотографией, которая бурно развивается в России со времен Крымской войны. Приходит понимание того, что портрет, который может появиться на выставке, который достоин внимания общества, должен раскрывать психологию человека, его характер. А Зарянко не хотел и не мог меняться, он хотел совершенствоваться внутри своей системы ценностей. Время его обгоняет, художественная критика не щадит. Зарянко умирает в 1870 году, став отчасти жертвой глобальной перемены эстетических предпочтений.

Портреты неизвестных моделей или работы неизвестных художников часто оседают в запасниках. Мы стараемся разгадать загадки, которые загадывает время. У портретов неизвестных бывает сложная судьба, им порой приходится долго ждать своего шанса появиться перед публикой. Иногда разгадка приходит случайно - вдруг мы узнаем имя модели или имя художника. «Портрет неизвестной» (1840-е), который владельцы считали работой Карла Павловича Брюллова, был подарен в 1996 году из коллекции П.М. и З.В. Норцовых. Портрет исполнен на высоком профессиональном уровне, но, к сожалению, это не рука Карла Брюллова. Кто автор портрета, кто на нем изображен, пока неизвестно. Может быть, это работа иностранного художника.

В том же разделе выставки можно видеть произведения последователей и учеников К.П. Брюллова. У «брюлловцев» не было артистизма и блеска таланта, что цветет и переливается всеми красками в картинах мастера. Самый талантливый из них - Пимен Никитич Орлов - представлен на выставке «Портретом сестер Сухово-Кобылиных» (1847).

Из богатейшего собрания иконописи на выставку выбраны иконы XVII - начала XX столетия. В течение долгого времени иконопись этого периода считалась неинтересной, вторичной, не заслуживающей пребывания в музейных стенах, тем более в музейной экспозиции. В последние 40 лет усилиями отечественных искусствоведов менялось отношение к церковному искусству XVII века и Синодального периода. В постоянной экспозиции Галереи иконы этого времени не показываются из-за ограниченности места, но на выставке «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное» такая возможность есть.

Большой раздел выставки посвящен филиалам Галереи, и прежде всего тем, которые закрыты на реконструкцию, - это музей-мастерская Анны Семеновны Голубкиной и дом-музей Павла Дмитриевича Корина. Посетителей встречает карта Москвы с обозначением местоположения этих музеев, образующих драгоценное ожерелье вокруг Третьяковской галереи. Музей уделяет большое внимание их сохранности и развитию. Посвященная им экспозиция дополнена мультимедийными программами.

Помимо скульптурных работ А.С. Голубкиной, знаменитого скульптора эпохи символизма, автора произведений с очень напряженной внутренней, духовной экспрессией, представлен ее графический гербарий, который создавался в минуты отдыха и душевного покоя. Некоторые из этих листов написаны в Крыму, другие - в средней полосе России. Голубкина происходила из семьи профессиональных огородников из Зарайска, и, конечно, мир растений был ей близок с детства. В отличие от традиционных гербариев, различных атласов растений в гербарии Голубкиной есть какая-то нежность, одухотворенность, отпечаток ее удивительной личности. На выставке экспонируются работы скульптора в мраморе, гипсе, дереве, а также ее камеи. Не все знают, что этой миниатюрной форме Анна Семеновна уделяла внимание. Художница создавала их и для заработка, и для подарков во времена, когда болела либо у нее не было денег на мрамор или бронзу. Занималась она камеями с той же творческой отдачей, с которой делала все в своей жизни.

Последняя часть экспозиции посвящена монументальному замыслу Павла Дмитриевича Корина «Русь уходящая» (1925-1959): посетители смогут увидеть этюды к этой неосуществленной картине так, как они стояли на полу и на мольбертах при Корине в его мастерской.

В планы Галереи входит поддержать проект «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное» двумя выставками-сателлитами в постоянной экспозиции в Лаврушинском переулке и на Крымском Валу, акцентировав ряд произведений, которые опубликованы и аннотированы на сайте «Моя Третьяковка». После окончания первой очереди выставочного проекта уже весной следующего года в тех же залах на Крымском Валу откроется вторая, где будут представлены другие жанры (бытовой и исторический), а также собрание скульптуры. Предполагается, что после завершения работы выставочного проекта «Моя Третьяковка. Из виртуального в реальное» в Москве его можно будет переформатировать и предложить для экспонирования в регионах.

1. Николай Николаевич Ге. Письма, статьи, критика, воспоминания современников. М., 1978. С. 293.