Открытие новых выставок в пространстве арт-платформы Cube.Moscow
26 февраля в Cube.Moscow открываются новые выставки
26 февраля 2022 года в пространстве арт-платформы Cube.Moscow открываются восемь новых выставок. В большом зале Arts Square Gallery представит персональную выставку петербургского художника Виктора Забуги «Я в Москве». Также откроется выставка NFT искусства SHIP: Future Artists Tokyo 2022, созданная на основе работ, представленных в коллекции японской NFT платформы FAT. На диджитал-выставке покажут работы 24 японских художников. Gallery Shtorm привозит в Москву выставку известного швейцарского художника Конора Маккриди Moscow Blues, посвященную российской столице. В галерее «Алиса» открывается первая персональная выставка Ксении Финогеевой Indoor Warriors: на ней будут представлены живописные холсты, в которых художница изображает застывших словно во сне «воинов», вырванных из их повседневной жизни. В стенде Arts Square Gallery откроется выставка художника, основателя ленинградской группы «Митьки», Александра Флоренского, — все работы на выставке «Много натюрмортов из одних и тех же предметов» будут представлены публике впервые. Галерея «КультПроект» представит проект «Свет Фавора» — цикл работ Владимира Наседкина под названием «Фаворский свет. Созвездия горы». Галерея и арт-магазин Cubed открывает выставку работ московского художника Дмитрия Запылихина «Будьте осторожны с необычными цветами!». 11.12 GALLERY и Kupol Gallery презентуют совместный проект «Кетчуп и майонез» Кирилла Манчунского и Ивана Волкова. Это не только парная выставка двух молодых художников, но и их первое концептуальное заявление о себе в среде российского арт-сообщества.
26 февраля 2022 — 13 марта 2022
Выставка Виктора Забуги «Я в Москве» в большом зале, Arts Square Gallery
Виктор Забуга «Девушка на поле» 2020
Виктор Забуга родился в Башкортостане, жил в Берлине и на Бали, колесил по городам России, бывал в Париже, Амстердаме, Барселоне, Копенгагене (список можно продолжать). В столицу Забуга приезжает с большой выставкой работ «Я в Москве».
Будучи частью ряда современных субкультур (тату, стрит-арт, «инстаграмный художник») Забуга перерос каждую их них. Сегодня любое действие автора превращается в художественный жест и медийное событие. На выставке будут представлены работы, созданные в течение последних лет. Многие из них зритель увидит впервые, в том числе центральную картину экспозиции — двухметровый холст «Sofia & V».
Максимально простые образы в работах автора уживаются с традициями не только модернистского, но и классического искусства. Яркие цвета, как у Матисса и Гогена, примитивистская плоскостность, грубость рисунка встречаются с композицией портретов эпохи Возрождения.
Экспозиция выставки предполагает произвольный порядок осмотра.
О художнике
Виктор Забуга (р. 1990) — художник, татуировщик, скульптор, музыкант. Создает примитивную живопись с элементами сюрреализма. Совмещает народную тематику с культурной рефлексией. Часто работает с масштабными холстами, яркими цветами, выразительными образами из мифологии и поп-культуры. Выставки проходили в Севкабель порту (2021, 2020), Музее стрит-арта (2021).
26 февраля 2022 — 13 марта 2022
Выставка NFT искусства SHIP: Future Artists Tokyo 2022, созданная на основе работ, представленных в коллекции японской NFT платформы FAT
FAT2022
В пространстве Cube.Moscow откроется выставка NFT искусства SHIP: Future Artists Tokyo 2022, созданная на основе работ, представленных в коллекции японской NFT платформы FAT. На диджитал выставке покажут работы 24 японских художников.
Основной темой выставки в Москве организаторы выбрали образ корабля как символа надежды, соединяющий всё более разобщенный мир.
«Распространение пандемии COVID-19 ограничивает свободное передвижение, и поэтому нам кажется важным постоянное напоминание о важности связей между людьми. Нас всегда объединяло универсальное желание, которое не изменилось с античных времен, — двигаться в направлении своего сердца и чувствовать подлинность артефактов на расстоянии одного вдоха.
То, что связывает нас, несмотря на разделение, — это воля к поиску связей, намерение, ставшее результатом идеи “корабля”. Начиная с доисторических времен человечество наделяло корабль надеждой и воспевало молитвы будущему каждый раз, когда мы погружались во времена кризиса. Каждая работа, представленная на выставке, отражает в себе различный спектр идей и мыслей художников, их эстетику, страсти и убеждения.
Чтобы перевезти эти произведения искусства через море, мы преобразовали их в трехмерную компьютерную графику. Воспроизводя каждую мельчайшую деталь так, словно слышим дыхание автора с обратной стороны картины, со скрытой стороны скульптуры и чувствуем молитвы художника.
Человечество плывёт по открытому морю с новыми технологиями, с сектантами и GPS, чтобы обезопасить маршруты. Мы бы хотели обратить внимание на NFT (Non-Fungible Token) — блокчейн-технологию, гарантирующую подлинность произведений искусства, словно новый компас, направляющий нас в неизведанном море, которым является цифровая реальность. Защитив ценность видео, цифровых картин и моделей, подлинность которых ранее было сложно определить, NFT позволяет этим работам получить ликвидность на рынке. Эта трансформация должно стать новым направлением для художников и для мира искусства».
26 февраля 2022 — 13 марта 2022
Выставка Moscow Blues Конора Маккриди, Gallery Shtorm
Конор Маккриди «МГУ» 2022
Конор Маккриди — швейцарский художник, коллекционер и защитник природы. Родился в Йоханнесбурге, Южная Африка, в 1987 году. Он праправнук сэра Теофилуса Шепстона, колониального британского государственного деятеля. Его отец имеет франко-ирландское происхождение, а мать — южноафриканский архитектор и дизайнер интерьеров. Маккриди вспоминает, как рисовал в возрасте четырех лет, используя кисть для макияжа своей матери и кофейную гущу. Маккриди бросил художественную школу при Pratt Institute в Нью-Йорке, чтобы продолжить независимую карьеру в области искусства в 2007 году.
Абстрактные произведения Маккриди известны по всему миру. Автор посвящает свои работы ярчайшим человеческим эмоциям и природным явлениям. А деньги от продажи картин жертвует фондам защиты дикой природы и различным благотворительным организациям. Художник исследует творческий жест, связь между собственными эмоциями и изобразительным материалом, стремясь к преодолению визуальных барьеров. Некоторые из работ Маккриди намеренно оставляет без названия, чтобы избежать возникновения лишних смыслов.
В данный момент в Швейцарии строится музей, в котором будет представлена его собственная постоянно растущая коллекция современных художников в дополнение к его собственным работам.
Маккриди был в Москве трижды, очень проникся городом, его историческим центром, а также культурой. Этот опыт вдохновил художника на создание серии работ, посвященной нашему городу.
Представленная серия Moscow Blues — это совершенно новые работы, созданные специально для Gallery Shtorm. В нее вошли портреты 13 известных московских зданий: Большой Театр, ГУМ, Особняк Морозова, Dominion Tower по проекту Захи Хадид, Главное здание МГУ, Центральный Московский ипподром, Кремль и другие.
Ранее Маккриди уже делал похожие произведения. Серия Додлер Гранд, вдохновленная одноименным отелем в пригороде Цюриха находится в известной частной коллекции. А работа «Палаццо Лабиа», написанная Маккриди во время Венецианской Биеннале 2017 года, вдохновленная балом Venetian Heritage x Dior была передана в частную коллекцию Княгини Монако Шарлен.
О художнике
Конор Маккриди (1987, Йоханнесбург, Южная Африка) — швейцарский художник, коллекционер и защитник природы. Родился в ЮАР, долгое время жил и работал в США и Лондоне. Абстрактные произведения Маккриди известны по всему миру. Автор посвящает свои работы ярчайшим человеческим эмоциям и природным явлениям. Деньги от продажи картин жертвует фондам защиты дикой природы и различным благотворительным организациям. Абстракции Маккриди выполнены в уникальном синем оттенке, который был запатентован в 2011 году под названием Mccreedyblue или «Синий Маккриди»: это уникальная комбинация из пяти пигментов. Несмотря на творческий порыв в духе Ива Кляйна, некогда запатентовавшего свой International Klein Blue, художник называет одним из главных источников вдохновения работы Пабло Пикассо. Макриди — не только талантливый живописец, но и дизайнер. В 2015 году он создал серию предметов мебели под названием My Blue Heaven и запустил собственный бренд. В 2013 году Маккриди был признан самым стильным бизнесменом по мнению южно-африканской премии SA Style Awards.
26 февраля 2022 — 13 марта 2022
Выставка Ксении Финогеевой Indoor Warriors, галерея «Алиса»
INDOOR WARRIORS, 2021 год, холст, акрил 140 х 140 x 4 см
В галерее «Алиса» открывается первая персональная выставка Ксении Финогеевой Indoor Warriors. На ней будут представлены живописные холсты, в которых художница изображает застывших словно во сне «воинов», вырванных из их повседневной жизни.
Выделив оппозицию «содержательное» — «не интерпретируемое» в искусстве, американский критик Сьюзен Зонтаг объявила эпоху «бегства от интерпретации» в современной критике. Подход, когда явное отодвигается и под ним ищется истинный смысл, скрытое содержание для Зонтаг оказывается избыточен. Абстрактное искусство, поп-арт сменяют «миметические» практики — «где нет содержания, там нечего истолковывать», утверждает Зонтаг.
Однако искусство Ксении Финогеевой остается в рамках изобразительной традиции, творчество художницы как будто открыто к интерпретации. На огромных холстах художница изображает бойцов смешанных единоборств, но в реальной жизни все участники боев — это юристы, врачи, менеджеры. Свой круг Mixed martial arts бойцы описывают как мужское братство, замкнутое сообщество, существующее вне их реальной жизни, куда жены и дети не имеют права вторгаться. Чем не сюжет для проекта на столь востребованную сегодня социальную повестку? Но социальные проекты требуют другой степени вовлеченности и со стороны художника и со стороны участников, в представленном нам проекте не хватает документальности: интервью с участниками, видео, фото.
Ксению интересуют человеческие эмоции, но для своего проекта художница выбирает людей более чем сдержанных на эмоции. Казалось бы, речь о об эмоциях, проявленных через агрессию борьбы, но заявленной брутальности противоречит живопись Финогеевой. Фигуры бойцов никак нельзя назвать портретами, более того, все они пребывают в каком-то зависшем сомнамбулическом состоянии, их бой статичен, а глаза закрыты или полностью отсутствуют.
Проект про телесность? Но художница не перформер и не работает с телесной органикой, с телом как медиумом, ее интерес к телу является чисто формальным. Ксения — наблюдатель. И возможно ее непосредственное наблюдение — это самое ценное, что есть в проекте. Инструментарий художника противопоставлен технике спортсмена, и хотя тело для спортсмена в данном случае не является первичным смыслом по отношению к его действию (как это бывает в бодибилдинге), художница пытается «за явным» отыскать «истинный смысл»: природное, социальное и культурное пространство, которое конструируют нашу телесность.
О художнике:
Ксения Финогеева (1989 году, Крым), живет и работает в Москве. Окончила Московскую Государственную Художественно-Промышленную Академию Имени С.Г. Строганова, Высшую Британскую Школа Дизайна, а так же University of Hertfordshire (Великобритания). Занимается живописью и графикой.
26 февраля 2022 — 19 апреля 2022
Выставка Александра Флоренского «Много натюрмортов из одних и тех же предметов», Arts Square Gallery
Александр Флоренский, «Много натюрмортов из одних и тех же предметов»
В стенде Arts Square Gallery откроется выставка натюрмортов художника, основателя ленинградской группы «Митьки», Александра Флоренского. Все представленные на ней холсты были созданы в период с 2013 по 2020 год, в промежутках между работой над другими масштабными проектами, и прежде никогда и нигде не выставлялись.
Александр Флоренский, художник:
«В моей петербургской мастерской есть небольшой стеллаж, на полках которого стоят тридцать-сорок предметов, предназначенных для рисования натюрмортов. У Матисса подобный набор назывался «палитра предметов», и надо сказать что это довольно точное определение. Все эти предметы подбирались годами: например, некоторыми из них я владею с тех пор как помню себя, а какие-то были куплены в течение жизни в антикварных лавках или на блошиных рынках России, Грузии или Италии, а то и вовсе найдены на помойке. Новый предмет попадает на этот стеллаж крайне редко, от силы раз или два в год, так как фэйс-контроль очень строгий, хотя и иррациональный (объяснить отчего мне нравится тот или иной предмет я не в состоянии). К тому же некоторые из этих предметов хоть и очень нравятся мне, но в мои натюрморты еще пока не попали, и возможно никогда и не попадут, а просто радуют меня, давая возможность помечтать о том, как я их однажды нарисую. Вспоминая известные фотографии подборки предметов из мастерской Моранди я заметил, что у него выбор объектов для натюрмортов заметно меньше моего, а картины намного лучше, и это доказывает что количество в данном случае отнюдь не переходит в качество, опровергая таким образом законы материалистической диалектики».
О художнике
Александр Флоренский (р. 1960) — основатель ленинградской группы «Митьки», книжный график, издатель. Создает живопись на холсте или деревянных ящиках-объектах, черно-белую графику в стиле наива, дополненную текстом. Работает с уличным пейзажем: Петербург, русский север, Кавказ, Балканы. Работы в Третьяковской галерее, Русском музее, ГМИИ им. Пушкина.
26 февраля 2022 — 13 марта 2022
Выставка «Свет Фавора» Владимира Наседкина, галерея «КультПроект»
Владимир Наседкин, Фаворский свет 7, 2020
Галерея «КультПроект» представит выставку «Свет Фавора» — цикл работ Владимира Наседкина под названием «Фаворский свет. Созвездия горы». Цикл возник благодаря поездке в Израиль в 2005 г., и к нему художник постоянно возвращается в своих размышлениях и новых работах.
Для ощущения авторского замысла необходимо представить не только географию места, но и связанные с ним религиозные представления и исторические события. Гора Фавор, иные названия Тавор, Итаврион, находится в Нижней Галилее, в 9 км. от Назарета. В христианстве это место традиционно считается местом Преображения Господня, на вершине горы расположены два монастыря, построенных в 19-20 вв., один из них — католический, другой — православный.
У каждого путника, вне зависимости от вероисповедания, захватывает дух при пешем восхождении на эту почти 600-метровую гору, традиция восхождения возникла еще в 4 в. н.э. и в горе было высечено 4300 ступеней, по которым ныне проходит дорога. Обычно восхождение совершают на рассвете.
Гора Фавор традиционно в истории представлялась как синоним величественного и возвышенного. Красота пейзажей, невероятность встреч с местами особой духовной наполненности, значений, легенд и преданий, некоторые тексты, полные философского и религиозного смысла, а также чудеса природы — все это и вдохновило художника на создание художественных произведений, наполненных метафорическими высказываниями и размышлениями о мироустройстве.
Владимира Наседкина поразили сведения об асфальте. В древности крупнейшим источником асфальта служило Мёртвое море, вплоть до конца XIX века именуемое Асфальтовым. Когда-то глыбы асфальта в большом количестве всплывали прямо на поверхность со дна моря. В последний раз такой случай был зафиксирован в 60-е годы XX века, причем вес куска был более тонны.
Согласно Ветхому Завету, младенец Моисей был обнаружен на берегу Нила в обмазанной асфальтом тростниковой корзине. Фрагменты черного цвета символизируют «божественный мрак, в котором живет бог», как сказано в писании. И как продолжение размышления о соотношения света и тьмы особенно важными оказались для автора следующие фразы: «Мрак исчезнет при свете» и «Божественный мрак есть тот неприступный Свет, в котором живет Бог» — (св.Дионисий Ареопагит).
В проекте «Свет Фавора» Владимир Наседкин тактичен и лаконичен в своих визуальных образах, которые отсылают к небесной геометрии созвездий, обращенных в мир бескрайний, непостижимый и непознанный в беспредметных абстракциях, которые выражены языком геометрических форм. Художник обращается к загадкам построения небесного, деликатно и трепетно работая с пространством холста и цветом.
Владимир Наседкин, художник:
«Я использую архетип Горы и создаю посредством своего искусства метафору “нетварного Света”, обращаясь к текстам Священного Писания и Патрологии. Здесь материя как создание преображается, уступая место таинственному и невидимому нами нетварному Свету. В моем случае, повторюсь, речь идет о метафоре. Я нахожусь на территории искусства и предлагаю зрителю соответствующий понятийный ряд. Я акцентирую беспредметное искусство как альтернативу фигуративному видению реальности, а геометрию форм как обращение к первоосновам, к идеальному, сокрытому за материальными покровами внешнего мира. Здесь схемы-идеограммы созвездий парят и впечатываются в поверхность холстов, открывая дали геометрической бесконечности и рождение новых планет и звезд».
О художнике
Владимир Наседкин (1954, г. Ивдель) — художник, лидер современного абстрактного искусства в России. В 1976 году закончил художественно-графический факультет Нижне-Тагильского педагогического института. Учителя: Перевалов Л.И. И Черепанов К.П. Почетный член Российской Академии Художеств (2015), Заслуженный художник России (1996). Заслуженный художник Республики Северная Осетия-Алания (2010) Номинант Государственной премии в области изобразительного искусства РФ (2002). Принимал участие во многих выставках в России и за рубежом. Работы находятся в Государственном Эрмитаже, Третьяковской галерее, Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, в Центре Жоржа Помпиду в Париже и других.
26 февраля 2022 — 19 апреля 2022
Выставка работ московского художника Дмитрия Запылихина «Будьте осторожны с необычными цветами!», галерея и арт-магазин Cubed
Дмитрий Запылихин. Будьте осторожны с необычными цветами
Галерея и арт-магазин Cubed открывает выставку работ московского художника Дмитрия Запылихина «Будьте осторожны с необычными цветами!».
Весной на стенах кафе арт-пространства Cube.Moscow появятся цветы — натюрморты Дмитрия Запылихина, представляющие собой комбинацию различных художественных техник: графики, коллажа и ассамбляжа (содержат объемные детали).
На Земле огромное количество всевозможных цветов и некоторые из них, увы, ядовиты. В природе фитотоксины вырабатываются для борьбы с естественными врагами и могут вызвать опасное отравление. Тем не менее, многие ядовитые цветы одновременно являются лекарственными — лечат болезни сердца, обезболивают, повышают устойчивость организма. Что, если самые прекрасные цветы — это чувства? Степень их токсичности может варьироваться в зависимости от окружающих условий: возраста, ухода, состава почвы, в которой они произросли…
О художнике:
Дмитрий Запылихин (1981 г, Набережные Челны). В родном городе и в Москве (на территории инновационного центра Сколково), где художник живет и работает, установлены большие уличные скульптуры авторства Дмитрия — велосипеды из серии «Антифизика». Дмитрий принимал участие в многочисленных фестивалях в Перми и коллективных выставках в центре современного искусства «Винзавод» (Москва).
26 февраля 2022 — 19 апреля 2022
Выставка «Кетчуп и майонез» Кирилла Манчунского и Ивана Волкова, совместный проект 11.12 GALLERY и Kupol Gallery
Иван Волков «Сбежавшая панда», 2020, холст, акрил 80х80
11.12 GALLERY и Kupol Gallery презентуют совместный проект «Кетчуп и майонез» Кирилла Манчунского и Ивана Волкова. Это не только парная выставка двух молодых художников, но и их первое концептуальное заявление о себе в среде российского арт-сообщества. У каждого из них свой неповторимый визуальный стиль изложения творческих амбиций, объединенные схожим духом восприятия окружающей реальности. Как всенародно любимые кетчуп и майонез хороши сами по себе, так и кетчунез обладает совершенно особым вкусом, который невозможно повторить.
О художниках:
Кирилл Манчунский (р. 1992) — выпускник ИПСИ, студент Института «БАЗА». Создает живопись и вышивки. Стремится отобразить повседневную жизнь без приукрашивания. Работы — трогательное и романтичное изображение простых событий. Манера нарочито детская, главные герои — крошечные человечки и говорящие животные. Выставка в Московском Доме Художника (2014).
Иван Волков (р. 1992) — живописец, график, скульптор, автор паблик-арта. В практиках ведет размышления о проблемах прекариата, изображает обычных людей, художников, мигрантов, социально незащищенные группы. На работах много пустого пространства, где находятся маленькие одинокие человечки. С этими с виду совсем обычными людьми происходят разные фантастические вещи.
3 марта 2022 — 15 апреля 2022
Групповая выставка «Бронная, 10», галерея Syntax
Александр Косолапов. Hero, Leader, God. 2015
Галерея Syntax откроет новую групповую выставку «Бронная, 10», на которой будут представлены скульптуры и обьекты Александра Косолапова, Витаса Стасюнаса и Леонида Сохранского.
Выставка «Бронная, 10» названа по адресу мастерской. Мастерская, как и выставка, объединила трех именитых художников, работающих с темой идеологического подрыва автономной территории прекрасного и деконструкции идеологических клише: Александра Косолапова, Витаса Стасюнаса и Леонида Сохранского. Для всех троих важна тема метаморфоз-мутаций шаблонного самодовольного языка рекламной презентации contemporary art ради выявления неудобных, потаенных образов-оборотней, радикально напрягающих систему привычного медийного потребления искусства. И Косолапов, и Сохранский, и Стасюнас любят работать с неподатливым, трудным материалом, обнажать его дискомфортную дремучую природу. Когда попадаешь в их общую мастерскую на Бронной, 10, остро чувствуешь, что атмосфера этой старомосковской, впечатляющей своим живописным хаосом, студии отлично поддерживает некую важную сегодня идею презентации искусства как процесса ремесленного делания.
Мир очень упростился и усложнился одновременно. И атмосфера ремесленного цеха, мастерской, где производят то ли священные артефакты, то ли продукцию сувенирных лавок, очень этой теме отвечает. Потому выставка «Бронная, 10» оказывается точным попаданием в нерв времени. Ремесленное рукотворное производство, что щедро предъявлено в работах трех художников, обращает к еще одной актуальной сегодня идее. Она была завещана Марселем Дюшаном. В ремесле обнуляется богатое семантическое поле интерпретаций и главным становится индекс, знак, как таковой. По классификации отца семиотики Чарльза Пирса, индекс физически привязан к объекту, на который указывает, ничего не утверждает, просто показывает.
С индексальной природой образа работал Марсель Дюшан, не только в реди-мейдах, но и в делании подражательных копий реальности, будь то «женские фиговые листы» из оцинкованного гипса, или знаменитой фотографии в жанре пип-шоу «Дано: 1. Водопад. 2. Светильный газ». В этой диораме Дюшан радикально уничтожает прежние конвенции «правильного» общения с искусством. Делает выбор в пользу интимного взгляда сквозь дырку в двери чулана. Траектория взгляда, направленного в точку между ног натурщицы, не дает никакого шанса зрителю символически валоризировать свою «встречу с прекрасным». Попадание в подсобку идей трех художников, Косолапова, Сохранского, Стасюнаса, вызывает схожий эффект непроизвольного вуайеризма за рассыпанными индексами неких больших нарративов. Отлично то, что ни одна из работ не претендует на глобальное обобщение. Они именно что осколки сюжетов. И призрак типично московской уже барахолки маячит очень даже явственно.
Александр Косолапов впрямую общается с индексами Дюшана. Дюшановские образы шахмат, ради которых в 1920-м году он «остановил живопись», дополнены выполненными в бронзе как раз женскими фиговыми листами. Они стали фигурами в предполагаемой партии. Массовая культура помогает низвести до состояния конфетти или фантика любую философскую максиму. Поэтому закономерно, что в мастерскую трех художников прошмыгнули образы комиксов, трешарта. В случае с Косолаповым это Микки-Маусы (работы из серии «Микки-Камасутра»). В случае с Сохранским это монстры из фэнтези, кинохорроров, аниме и игровых миров. Их формы, отлитые в бронзе, обещают рождение нового тварного хтонического, как если бы мы вещи Ханса Арпа и Генри Мура смикшировали с биомеханикой фантастического реализма Ханса Руди Гигера.
В «Модели фонтана» Леонид Сохранский напрямую связывает ремесленное производство туристического ширпотреба с травмами постсоветского мифа «дружбы народов». Чем больше рвения у официальных политиков реконструировать идеологию, стиль, риторику СССР, тем очевиднее и неотвратимее фейковая, симулятивная сущность этого госзаказа.
У Витаса Стасюнаса тварное прорастает на подоконниках, радиоточках, мебели старых московских квартир- мастерских, подобных той же «Бронной, 10». Строительный мусор превращается в ландшафт микрорайонов. Разбитое стекло – в раму графического пейзажа, выполненного в силуэтной манере. А кучками растут опята, смиренные индексы съедобной планетарной грязи. Подобно курехинским мухоморам, у Стасюнаса опята стали честным свидетелем новых процессов антропоцена в отдельно взятом сообществе, на дачном участке, в квартире.
Тварный мир «Бронной, 10» прост и честен. Одновременно прихотлив и элегантен. Он никому ничего не навязывает, низводит всю муть высоколобых умствований до элементарного знака-индекса. Однако, перебирая эти индексы, никому не возбраняется придумать свой красивый паззл или сыграть с художником в воображаемую шахматную партию.
О художниках:
Александр Косолапов (р.1943, Москва) — художник, живописец, график, скульптор, одна из ключевых фигур соц-арта. Учился в Московской средней художественной школе при художественном институте им. В.И.Сурикова и Московском высшем художественно- промышленном училище. В 1975 году эмигрировал в США. Живет и работает в Нью-Йорке. Работы строятся на иронически-радикальном совмещении узнаваемых символов и стереотипов советской идеологии и глобального масскульта. Играя образами, художник развенчивает как советское политическое мифотворчество, так и капиталистический товарный фетишизм. Работы в коллекциях MOMA Нью-Йорк, Третьяковской галерее, Русском музее и многих других.
Леонид Сохранский (р. 1971, Москва) — художник, скульптор, учился в Строгановском Училище, затем – в Школе Изящных Искусств в Дюссельдорфе. Живет и работает в Дюссельдорфе, Берлине и Москве. В начале 2000-х он создавал проекты заведомо неосуществимых памятников для мест, где их никогда не согласились бы поставить. Сохранский отдает предпочтение созданию пространственных произведений - скульптуре, объектам и инсталляциям. Это фантазии-размышления на философскую, литературную и историческую тему. Работы в коллекции Государственного Музея прикладного искусства, Смедерево, Сербия.
Витас Стасюнас (р. 1958, Тилт) — художник, скульптор. Учился на курсах мастеров резьбы по камню при Московской государственной художественно-промышленной академии имени С. Г. Строганова в 1981–1983 годах. С 1993 года член Московского союза художников, скульптурная секция. Живёт и работает в Москве. На холсте использует техники коллажа и ассамбляжа. Вдохновением для него является абсурд, окружающий человека. Творческий путь начал с обращения к традициям соц-арта, позднее занялся ироническим переосмыслением реальности через узнаваемые советские и современные образы массовой культуры. Работы в коллекциях: Государственного Русского музея, Третьяковской галереи, Мультимедиа Арт Музея, Morth Carolina Museum of Art, Пермского музея современного искусства, Красноярского музея современного искусства и др.
_________________
Cube.Moscow
Арт-платформа Cube.Moscow –– инновационное пространство, открытое в 2019 году. Здесь, в самом центре Москвы, представлены более 10 галерей и всегда открыты выставки современного искусства. Площадка объединяет коллекционеров и ценителей искусства с художниками, галеристами и другими представителями российской и международной арт-сцены.
Cube, Москва, Тверская ул., 3, Здание The Ritz-Carlton, Moscow, -2 этаж
Скачать приложение «Журнал Третьяковская галерея»
